How to paint LANDSCAPES with DEPTH - Atmospheric PERSPECTIVE!

Summary

Dans ce tutoriel captivant, Andrew nous guide à travers les étapes de la peinture de paysages en utilisant des techniques avancées pour créer profondeur et atmosphère. En utilisant une palette de couleurs personnalisée et divers outils, il nous montre comment construire un paysage en plusieurs couches, en jouant sur la perspective atmosphérique, les ombres et les lumières. L'accent est mis sur la texture, la gestion des couleurs et le détail, ce qui permet de donner vie à des éléments naturels comme les arbres, l'eau et les collines. Ce tutoriel est une excellente ressource pour les artistes souhaitant améliorer leur maîtrise des paysages.

Takeaways

• 😀 La vidéo propose un tutoriel sur la peinture de paysages, mettant l'accent sur la création de profondeur et d'espace tridimensionnel dans les scènes.
• 😀 L'artiste s'inspire des paysages de la Nouvelle-Zélande, utilisant des photographies comme références pour des éléments spécifiques comme des collines, des arbres anciens et des rivières.
• 😀 L'artiste utilise une palette de couleurs spécifiques, comprenant des teintes comme le blanc titane, l'ombre brûlée, l'ultramarine et le vert phtalo, pour créer l'ambiance de la scène.
• 😀 La méthode de travail se concentre sur la création de couches de profondeur, en commençant par les éléments les plus lointains (ciel et collines) avant de progresser vers l'avant-plan.
• 😀 L'illusion de la perspective atmosphérique est obtenue en utilisant des couleurs plus saturées et sombres pour les éléments au premier plan et des teintes plus froides pour ceux à l'arrière-plan.
• 😀 L'utilisation de différentes brosses permet de créer des textures variées, notamment avec des brosses en forme de fer de lance et des brosses à éventail pour les détails comme les herbes.
• 😀 L'artiste insiste sur l'importance des détails subtils, comme la lumière captée par les arbres ou la texture des herbes, pour donner l'impression de profondeur et de réalisme.
• 😀 Une attention particulière est donnée aux ombres et aux reflets, en particulier autour de la rivière, pour renforcer la sensation de réalisme et de dynamisme de la scène.
• 😀 Les techniques de surimpression permettent de manipuler les couches de peinture sans retirer les couches inférieures, ce qui assure une continuité et une richesse de texture.
• 😀 L'artiste met en garde contre l'utilisation excessive de certaines couleurs (comme le vert phtalo), qui peuvent dominer les autres teintes si elles sont utilisées trop largement.
• 😀 En fin de processus, l'artiste ajoute les touches finales pour rehausser les contrastes et la lumière, renforçant ainsi la structure et la dynamique de la peinture.

Q & A

Quelles sont les principales techniques utilisées pour créer une profondeur et une sensation d'espace dans un paysage ?

Les techniques principales incluent la mesure précise des tons et des couleurs, ainsi que l'utilisation de la perspective atmosphérique. Il est aussi important de travailler avec des couches successives allant du plus lointain au plus proche dans la composition.

Pourquoi l'artiste choisit-il de ne pas utiliser une seule photo pour la peinture, et comment cela influence-t-il la composition ?

L'artiste utilise plusieurs photos pour extraire des détails spécifiques. Aucune photo n'étant parfaite, cela permet de rassembler des éléments de différentes images pour créer une composition plus dynamique et personnalisée.

Comment l'artiste prépare la toile avant de commencer à peindre ?

L'artiste travaille sur un panneau de lin belge fait maison de 12x14 pouces, préalablement coloré avec du sienna brûlé. Il frotte légèrement la surface pour révéler la texture du lin avant de commencer à peindre.

Quelle est l'importance de la couleur phthalo dans cette peinture et comment doit-elle être utilisée ?

La couleur phthalo est très saturée et puissante. Elle est utilisée avec parcimonie car elle peut dominer les autres couleurs sur la palette. Elle est ajoutée en petites quantités pour des zones spécifiques comme les arbres et les parties de la végétation.

Comment l'artiste aborde-t-il la gestion des ombres et des lumières dans les paysages lointains et proches ?

L'artiste crée une différence marquée entre les ombres profondes et les lumières. Les ombres des éléments lointains sont souvent bleutées ou violacées pour renforcer la perspective atmosphérique, tandis que les éléments plus proches bénéficient de variations de tons plus complexes.

Quel rôle joue la texture dans la création des effets de profondeur et de détail dans cette peinture ?

La texture est essentielle pour simuler l'illusion de profondeur. L'artiste utilise différents types de pinceaux pour créer des effets de texture, comme les coups de pinceau fragmentés pour les herbes et les arbres, afin de suggérer des détails sans trop surcharger la scène.

Pourquoi l'artiste a-t-il choisi de peindre un arbre de pin ancien comme sujet principal ?

L'artiste choisit un arbre de pin ancien car il aime son caractère unique. L'arbre, avec ses branches ouvertes et son aspect fragmenté, aide à raconter une histoire et apporte une touche de majesté à la scène, tout en étant au centre de la composition.

Comment l'artiste manipule-t-il la lumière sur les éléments naturels comme les arbres et les herbes ?

L'artiste utilise des pinceaux fins et précis, comme le pinceau numéro 2 en forme de dague, pour appliquer des highlights sur les bords des arbres et des herbes. Cela permet de capturer la lumière du soleil et d'ajouter du réalisme aux éléments naturels.

Pourquoi l'artiste a-t-il décidé de supprimer les chevaux de la scène et quel effet cela a-t-il sur la composition ?

L'artiste a décidé de retirer les chevaux car ils créaient une distraction et détournaient l'attention du pin et du cabanon, qui étaient les éléments principaux de la composition. En réduisant les focales, la scène devient plus concentrée et plus équilibrée.

Quelles couleurs l'artiste utilise-t-il pour les ombres dans le premier plan et pourquoi cette palette est-elle choisie ?

Pour les ombres dans le premier plan, l'artiste utilise une combinaison de bleu ultramarine et de sienna brûlé, et parfois du vert phthalo, du magenta quinacridone, pour créer des ombres plus profondes. Ces couleurs permettent de renforcer la perspective et d'ajouter de la profondeur à la scène.