The magic ingredient that brings Pixar movies to life | Danielle Feinberg

Summary

このスクリプトは、ピクサーアニメーションスタジオで働く女性の物語を通じて、科学と芸術の融合がどのように信じられない世界を生み出すかを描いています。彼女は7歳のときに芸術家になりたいと言ったが、大人に否定されました。しかし、大学でコンピュータプログラミングを学び、後にコンピュータアニメーションに出会い、人生の目標を見出しました。彼女は、数学、科学、そしてコードがどのように協力してキャラクターや物語を作り出すかを学び、特にライティングのプロセスに魅了されました。ライティングは、3Dの世界にライトを配置し、物語を伝えるための時間を設定し、感情を表現し、観客の目を導くための重要な役割を果たします。彼女は、科学の原則を用いて、水の光学的性質を模倣し、物語に応じて色や可視性を調整することで、水の中の世界を作り出しました。また、WALL-Eのアニメーターが彼の感情を表現するために依存していたバイナクルの反射問題を解決するために、科学的なアプローチを用いて、彼に個性と魂を持たせました。彼女の経験から、数学、科学、そしてコードを用いて素晴らしい世界を作り上げ、物語と芸術でそれらを命を与えるという、芸術と科学の相互依存性とその美しさに触れています。

Takeaways

• 🎨 夢を追うことの大切さ：主人公は7歳の時に芸術家になりたいと言ったが、それが現実的でないと指摘された。しかし、彼は新しい夢を求めて科学者になり、最終的にコンピュータプログラミングを学び、ピクサーで働く夢を実現しました。
• 🚀 学問と創造性の結合：数学と科学、そしてコーディングを学んでいた主人公が、それらを通じて世界とキャラクター、物語を作り出すことに感動し、ピクサーで働くことを決めました。
• 🌟 3Dの世界の創造：ピクサーでは、コンピュータの中で三次元の世界を作り、カメラを動かしてさまざまな角度から物語を表現します。
• 💡 ライティングの魔法：ライティングは、三次元空間にライトを配置することで、物語を伝えるための時間を設定し、ムードを作り出します。
• 🌈 科学を用いたリアリティの創造：「フィンディング・ニモ」では、水の中を再現するために科学的な研究を行い、光が水を通過する様子を模倣しました。
• 🎭 科学と芸術のバランス：科学的な准确性と物語の必要性に基づいて、どの要素を厳密に守り、どの要素を調整するかを判断します。
• 🤖 キャラクターの感情表現：WALL-Eのバイノーラルズの光学的完璧さを解決するために、アニメーターは光と素材を使ってロボットの感情を表現しました。
• 🐙 「フィンディング・ニモ」のクラゲシーン：クラゲのシーンは、南太平洋のクラゲの映像に基づいて監督のビジョンを表現しようとしましたが、レビューで問題が生じました。しかし、ライティングの力で最終的に美しいシーンに成長しました。
• 🧩 問題解決の喜び：主人公はクラゲシーンの完成に喜び、レビューで拍手を受けました。これは、数学、科学、コーディングを用いて素晴らしい世界を作り、物語と芸術でそれを命じる瞬間です。
• 🌌 科学と芸術の絡み：芸術と科学が絡み合って、世界を驚きと魂のある場所に昇華させます。
• 👧 夢と自己認識：主人公は、科学者でありながら、芸術家でもあると気づき、自分の夢を実現しました。

Q & A

彼女が7歳のときに抱いていた夢は何でしたか？

彼女は7歳のときに芸術家になる夢を持っていましたが、大人から「芸術家では生計が立たない」と言われて夢を諦めました。

彼女が大学で学んだ科目は何でしたか？

彼女は大学でコンピュータプログラミングを学び、後にコンピュータアニメーションに興味を持ちました。

ピクサーアニメーションスタジオで働くことにより、彼女はどのように学びを深めましたか？

ピクサーで働くことで、3Dの世界をコンピュータ内で作り、その中でカメラを動かすことができるという映画作りのプロセスを学びました。

ライトニングのプロセスで彼女が最も魅力的に感じた瞬間は何ですか？

ライトニングのプロセスで、すべてのパーツが集まって世界が生きてくる瞬間が彼女にとって魅力的であり、それが彼女を完全にライトニングに魅了させました。

ライトニングで物語を伝えるために使用される光の効果は何ですか？

ライトニングで物語を伝えるためには、日中の時間を設定したり、ムードを作り出したり、観客の目を導いたり、キャラクターを魅力的に見せるための光の効果が使用されます。

彼女が「Finding Nemo」でどのように科学を用いて水の中を表現しましたか？

彼女は「Finding Nemo」で、水の中で光がどのように伝わるかを研究し、コンピュータで模倣し、水の可視性や色の変化を再現しました。

WALL-Eのキャラクターで彼女が直面した問題とは何でしたか？

WALL-Eのキャラクターで彼女が直面した問題は、その双眼鏡が反射をたくさん生じてガラス目になってしまい、ロボットが愛情を持つことができる人格を持っていると信じ込ませることが難しくなった点です。

彼女はどのようにしてWALL-Eの双眼鏡の反射問題を解決しましたか？

彼女はWALL-Eの双眼鏡に誤って光が漏れ込むようにし、灰色のアパーチャーブレードが反射を突き抜けることで、人間のように目を持ち、キャラクターに感情があるように見せることができました。

彼女が言及した「Finding Nemo」の水の中シーンで、どのように科学と芸術をバランスしましたか？

彼女は「Finding Nemo」の水の中シーンで、科学的な正確さと物語やムードに適応するために、色や水の可視性を調整することで科学と芸術をバランスしました。

彼女が言及する「科学と芸術の絡み」とは何ですか？

彼女が言及する「科学と芸術の絡み」とは、数学や科学、コードを用いて素晴らしい世界を作り上げ、物語や芸術的なタッチでそれを命づけ、信じられる世界を作り上げるプロセスです。

彼女が照明の仕事で生きる瞬間とは何ですか？

彼女が照明の仕事で生きる瞬間とは、すべての要素が集まって信じられる世界になる瞬間であり、数学、科学、コードを用いて素晴らしい世界を作り上げ、物語や芸術でそれを命づけることができるときです。

Outlines

00:00

🎨 夢と現実の融合：アーティストからサイエンティストへ

スピーカーは7歳の時、アーティストになりたいと言って夢を打ち砕かれた経験から始まり、科学者を目指すようになったと語ります。大学でコンピュータプログラミングを学び、ピクサーアニメーションスタジオで3Dの世界を作り上げるプロセスに魅了されました。特に、ライティングのプロセスが彼を夢中させ、まるで現実世界が生まれる瞬間を経験することができると述べています。

05:00

🌊 「フィンディング・ニモ」の水の中の世界：科学と芸術の調和

スピーカーは、科学と芸術を組み合わせることで、観客が没入できるような信憑性のある世界を作り上げるプロセスについて語ります。特に、「フィンディング・ニモ」の水の中シーンの作成プロセスを紹介し、科学的な正確さと物語の必要性との間でバランスをとる方法を説明しています。また、ウォーリー（WALL-E）のキャラクターの目に光を当てることによって、ロボットにも感情を与える手法についても触れています。

10:03

🐙 「フィンディング・ニモ」のクラゲシーン：科学から芸術への道

スピーカーは、クラゲシーンの完成度の低い状態から、科学的な要素を通じて芸術性を加えるプロセスを説明します。レビューでディレクターからのフィードバックを受けながら、科学的な側面を無視しないように努め、最終的にシーンを完成させるまでを詳述しています。その過程で、数学、科学、コードを用いて驚くべき世界を作り上げ、物語と芸術性を通じてそれらを生命あるものにし、信じられる世界を作り上げることができたと述べています。

Keywords

💡アーティスト

アーティストとは、美術や音楽などの芸術分野で創作活動を行う人を指します。ビデオでは、話者が幼少期にアーティストになりたいと願っており、それが夢を追う意欲を表しています。また、アーティストとしての才能を持ちながらも、科学者としての才能も発揮しているという二つの側面を結びつけることで、芸術と科学的思考の融合が示されます。

💡科学者

科学者は、数学や物理学などの科学分野で研究や実験を行う人々です。ビデオの主人公は、アーティストとしての夢を諦めて科学者を目指し、後にコンピュータプログラミングを学び始めました。科学者の側面は、主人公がピクサーアニメーションスタジオで働くことや、コンピュータアニメーションの制作に必要な数学的・科学的知識を用いることに結びつきます。

💡コンピュータアニメーション

コンピュータアニメーションとは、コンピュータを使用してアニメーションを制作する方法を指します。ビデオでは、主人公がコンピュータアニメーションに出会い、それが数学、科学、そしてプログラミングを通じて創造的な世界を作り上げるプロセスであることに感銘を受け、その世界に没頭します。

💡ライティング

ライティングとは、映画やアニメーションにおいて、光の配置と使用方法を通じてシーンの感情や雰囲気を作り出すプロセスです。ビデオでは、主人公がライティングに出会い、それがどのようにして物語を伝える手助けをして、キャラクターを魅力的に見せるかについて学びます。

💡3Dワールド

3Dワールドとは、三次元空間をコンピュータの中で再現し、アニメーションの背景やキャラクターを制作する手法です。ビデオでは、主人公がピクサーで働いていた際に、コンピュータ内の3Dワールドを作成し、カメラをその世界内で動かすことでアニメーションを作っていると学びます。

💡物語性

物語性とは、物語が持つストーリーやプラットフォームであり、感情やテーマを伝える手段です。ビデオでは、主人公がライティングを通じて物語性を強調し、どのようにして光と影を用いて物語を伝えるかについて学びます。

💡科学の縛り

科学の縛りとは、現実世界の物理法則や現象を再現することで、創造的な自由を一定程度抑制し、観客に信じられる世界を作り上げる手法です。ビデオでは、主人公がどのようにして科学の縛りを用いて、創造的な自由を引き締めながらも物語を伝えるのを見て学びます。

💡アニマル

アニマルとは、アニメーションで登場する動物キャラクターを指します。ビデオでは、主人公が「Finding Nemo」という映画でどのようにアニマルを光と影を使って表現し、物語に貢献するかについて学びます。

💡ウォーリー

ウォーリーとは、映画「WALL-E」の主人公であり、感情豊かなロボットです。ビデオでは、主人公がウォーリーのキャラクターを光と影を使ってどのように表現し、物語に貢献するかについて学びます。特に、ウォーリーの目玉の光学的パーフェクションを解決するプロセスが、科学と芸術の融合を象徴しています。

💡水の物理学

水の物理学とは、水の中で光がどのように伝わるか、またどのように色が変化するかを研究する科学です。ビデオでは、主人公が「Finding Nemo」の制作で水の物理学を用いて、水の中を舞台にしたシーンをリアルに表現し、物語を引き立てることに成功します。

💡クラウディア・フェインバーグ

クラウディア・フェインバーグは、ビデオの話者であり、ピクサーアニメーションスタジオで働いていたライターです。彼女の経験から学べるポイントは、科学と芸術を組み合わせることで、信じられる世界を作り上げることができるというメッセージです。彼女自身がアーティストでありながらも科学者的な側面を持つ人物として、ビデオの主題に沿っています。

Highlights

The speaker was inspired to become an artist at a young age, but was discouraged by an adult who said artists can't make a living.

They then pursued a career in science and computer programming, before discovering the magic of computer animation.

At Pixar Animation Studios, they learned how to create 3D worlds and characters using math, science and code.

Lighting is a key aspect of bringing these 3D worlds to life, by placing virtual lights and shadows.

The speaker fell in love with lighting, as it allowed them to use their artistic skills to make the world feel real and alive.

Lighting can be used to help tell the story, set the mood, guide the viewer's eye, and make characters more appealing.

Pixar uses science as a foundation to ground their artistic freedom, while still pushing the boundaries for the story.

Finding Nemo is a great example of using scientific research to recreate an underwater look, while still taking creative liberties.

The team studied how light travels through water, and mimicked this physics in the animation to create a believable underwater world.

They also recreated the underwater current and caustics (patterns of light on the ocean floor) to add depth and magic to the scene.

In WALL-E, lighting was used to give the robot character a soul and personality, by making his eyes look more human.

The team experimented with different lens types and reflections to solve the problem of the robot looking glassy-eyed.

The jellyfish scene in Finding Nemo was a challenge, as the team struggled to balance science and art to achieve the director's vision.

Through perseverance and attention to lighting details, they were able to create a beautiful, magical scene that came together.

The speaker's work on the jellyfish scene was met with a standing ovation from the director and team, a moment they live for in lighting.

The interweaving of art and science in animation elevates the world to a place of wonder, soul and believability.

The speaker realized they were not only a scientist, but also an artist, through their work in lighting and animation.

Transcripts

When I was seven years old,

some well-meaning adult asked me what I wanted to be when I grew up.

Proudly, I said: "An artist."

"No, you don't," he said,

"You can't make a living being an artist!"

My little seven-year-old Picasso dreams were crushed.

But I gathered myself,

went off in search of a new dream,

eventually settling on being a scientist,

perhaps something like the next Albert Einstein.

(Laughter)

I have always loved math and science,

later, coding.

And so I decided to study computer programming in college.

In my junior year,

my computer graphics professor showed us these wonderful short films.

It was the first computer animation any of us had ever seen.

I watched these films in wonder, transfixed,

fireworks going off in my head,

thinking, "That is what I want to do with my life."

The idea that all the math, science and code I had been learning

could come together to create these worlds and characters

and stories I connected with,

was pure magic for me.

Just two years later, I started working

at the place that made those films, Pixar Animation Studios.

It was here I learned how we actually execute those films.

To create our movies,

we create a three-dimensional world inside the computer.

We start with a point that makes a line that makes a face

that creates characters,

or trees and rocks that eventually become a forest.

And because it's a three-dimensional world,

we can move a camera around inside that world.

I was fascinated by all of it.

But then I got my first taste of lighting.

Lighting in practice is placing lights inside this three-dimensional world.

I actually have icons of lights I move around in there.

Here you can see I've added a light,

I'm turning on the rough version of lighting in our software,

turn on shadows

and placing the light.

As I place a light,

I think about what it might look like in real life,

but balance that out with what we need artistically and for the story.

So it might look like this at first,

but as we adjust this and move that

in weeks of work,

in rough form it might look like this,

and in final form, like this.

There's this moment in lighting that made me fall utterly in love with it.

It's where we go from this

to this.

It's the moment where all the pieces come together,

and suddenly the world comes to life

as if it's an actual place that exists.

This moment never gets old,

especially for that little seven-year-old girl that wanted to be an artist.

As I learned to light,

I learned about using light to help tell story,

to set the time of day,

to create the mood,

to guide the audience's eye,

how to make a character look appealing

or stand out in a busy set.

Did you see WALL-E?

(Laughter)

There he is.

As you can see,

we can create any world that we want inside the computer.

We can make a world with monsters,

with robots that fall in love,

we can even make pigs fly.

(Laughter)

While this is an incredible thing,

this untethered artistic freedom,

it can create chaos.

It can create unbelievable worlds,

unbelievable movement,

things that are jarring to the audience.

So to combat this, we tether ourselves with science.

We use science and the world we know

as a backbone,

to ground ourselves in something relatable and recognizable.

"Finding Nemo" is an excellent example of this.

A major portion of the movie takes place underwater.

But how do you make it look underwater?

In early research and development,

we took a clip of underwater footage and recreated it in the computer.

Then we broke it back down

to see which elements make up that underwater look.

One of the most critical elements

was how the light travels through the water.

So we coded up a light that mimics this physics --

first, the visibility of the water,

and then what happens with the color.

Objects close to the eye have their full, rich colors.

As light travels deeper into the water,

we lose the red wavelengths,

then the green wavelengths,

leaving us with blue at the far depths.

In this clip you can see two other important elements.

The first is the surge and swell,

or the invisible underwater current

that pushes the bits of particulate around in the water.

The second is the caustics.

These are the ribbons of light,

like you might see on the bottom of a pool,

that are created when the sun bends through the crests

of the ripples and waves on the ocean's surface.

Here we have the fog beams.

These give us color depth cues,

but also tells which direction is up

in shots where we don't see the water surface.

The other really cool thing you can see here

is that we lit that particulate only with the caustics,

so that as it goes in and out of those ribbons of light,

it appears and disappears,

lending a subtle, magical sparkle to the underwater.

You can see how we're using the science --

the physics of water, light and movement --

to tether that artistic freedom.

But we are not beholden to it.

We considered each of these elements

and which ones had to be scientifically accurate

and which ones we could push and pull to suit the story and the mood.

We realized early on that color was one we had some leeway with.

So here's a traditionally colored underwater scene.

But here, we can take Sydney Harbor and push it fairly green

to suit the sad mood of what's happening.

In this scene, it's really important we see deep into the underwater,

so we understand what the East Australian Current is,

that the turtles are diving into and going on this roller coaster ride.

So we pushed the visibility of the water

well past anything you would ever see in real life.

Because in the end,

we are not trying to recreate the scientifically correct real world,

we're trying to create a believable world,

one the audience can immerse themselves in to experience the story.

We use science to create something wonderful.

We use story and artistic touch to get us to a place of wonder.

This guy, WALL-E, is a great example of that.

He finds beauty in the simplest things.

But when he came in to lighting, we knew we had a big problem.

We got so geeked-out on making WALL-E this convincing robot,

that we made his binoculars practically optically perfect.

(Laughter)

His binoculars are one of the most critical acting devices he has.

He doesn't have a face or even traditional dialogue, for that matter.

So the animators were heavily dependent on the binoculars

to sell his acting and emotions.

We started lighting and we realized

the triple lenses inside his binoculars were a mess of reflections.

He was starting to look glassy-eyed.

(Laughter)

Now, glassy-eyed is a fundamentally awful thing

when you are trying to convince an audience

that a robot has a personality and he's capable of falling in love.

So we went to work on these optically perfect binoculars,

trying to find a solution that would maintain his true robot materials

but solve this reflection problem.

So we started with the lenses.

Here's the flat-front lens,

we have a concave lens

and a convex lens.

And here you see all three together,

showing us all these reflections.

We tried turning them down,

we tried blocking them,

nothing was working.

You can see here,

sometimes we needed something specific reflected in his eyes --

usually Eve.

So we couldn't just use some faked abstract image on the lenses.

So here we have Eve on the first lens,

we put Eve on the second lens,

it's not working.

We turn it down,

it's still not working.

And then we have our eureka moment.

We add a light to WALL-E that accidentally leaks into his eyes.

You can see it light up these gray aperture blades.

Suddenly, those aperture blades are poking through that reflection

the way nothing else has.

Now we recognize WALL-E as having an eye.

As humans we have the white of our eye,

the colored iris

and the black pupil.

Now WALL-E has the black of an eye,

the gray aperture blades

and the black pupil.

Suddenly, WALL-E feels like he has a soul,

like there's a character with emotion inside.

Later in the movie towards the end,

WALL-E loses his personality,

essentially going dead.

This is the perfect time to bring back that glassy-eyed look.

In the next scene, WALL-E comes back to life.

We bring that light back to bring the aperture blades back,

and he returns to that sweet, soulful robot we've come to love.

(Video) WALL-E: Eva?

Danielle Feinberg: There's a beauty in these unexpected moments --

when you find the key to unlocking a robot's soul,

the moment when you discover what you want to do with your life.

The jellyfish in "Finding Nemo" was one of those moments for me.

There are scenes in every movie that struggle to come together.

This was one of those scenes.

The director had a vision for this scene

based on some wonderful footage of jellyfish in the South Pacific.

As we went along,

we were floundering.

The reviews with the director

turned from the normal look-and-feel conversation

into more and more questions about numbers and percentages.

Maybe because unlike normal,

we were basing it on something in real life,

or maybe just because we had lost our way.

But it had become about using our brain without our eyes,

the science without the art.

That scientific tether was strangling the scene.

But even through all the frustrations,

I still believed it could be beautiful.

So when it came in to lighting,

I dug in.

As I worked to balance the blues and the pinks,

the caustics dancing on the jellyfish bells,

the undulating fog beams,

something promising began to appear.

I came in one morning and checked the previous night's work.

And I got excited.

And then I showed it to the lighting director

and she got excited.

Soon, I was showing to the director in a dark room full of 50 people.

In director review,

you hope you might get some nice words,

then you get some notes and fixes, generally.

And then, hopefully, you get a final,

signaling to move on to the next stage.

I gave my intro, and I played the jellyfish scene.

And the director was silent for an uncomfortably long amount of time.

Just long enough for me to think,

"Oh no, this is doomed."

And then he started clapping.

And then the production designer started clapping.

And then the whole room was clapping.

This is the moment that I live for in lighting.

The moment where it all comes together

and we get a world that we can believe in.

We use math, science and code to create these amazing worlds.

We use storytelling and art to bring them to life.

It's this interweaving of art and science

that elevates the world to a place of wonder,

a place with soul,

a place we can believe in,

a place where the things you imagine can become real --

and a world where a girl suddenly realizes

not only is she a scientist,

but also an artist.

Thank you.

(Applause)