Color Theory for BEGINNERS + How to ACTUALLY use it in Digital Painting

Summary

Cette vidéo aborde les bases essentielles de la théorie des couleurs, en mettant l'accent sur deux concepts clés : la couleur du sujet et les aimants. La couleur du sujet guide l'attention du spectateur, tandis que les aimants, des couleurs environnantes, créent une tension visuelle qui renforce ce focus. L'artiste est invité à réfléchir sur la direction du regard du spectateur et à structurer sa peinture en fonction de cela. En maîtrisant ces principes, les artistes peuvent transformer la théorie des couleurs en un outil puissant pour améliorer la narration visuelle de leurs œuvres.

Takeaways

• 😀 La théorie des couleurs commence avec la compréhension de la couleur du sujet et des aimants, avant d'aborder des concepts plus avancés comme les harmonies de couleurs.
• 😀 La couleur du sujet est la couleur principale qui attire l'attention du spectateur et guide son regard vers l'élément le plus important de l'œuvre.
• 😀 Les aimants sont des éléments visuels qui attirent le regard en raison de leur contraste en saturation, valeur ou taille par rapport aux autres éléments.
• 😀 Avant de se concentrer sur les harmonies de couleurs, il est essentiel de comprendre comment la tension et le mouvement des yeux influencent la composition d'une œuvre.
• 😀 La première étape de la peinture consiste à poser des couleurs de base (même si elles sont désaturées), ce qui permet de construire progressivement l'œuvre.
• 😀 Lors du blocage initial des couleurs, il est important de ne pas se concentrer sur les détails, mais plutôt sur la création d'une fondation qui peut être modifiée plus tard.
• 😀 La couleur du sujet ne dépend pas uniquement de la teinte, mais aussi de son emplacement et du contraste avec son environnement.
• 😀 Les couleurs opposées sur le cercle chromatique créent une tension plus élevée, facilitant l'attraction du regard vers ces zones.
• 😀 L'utilisation des couleurs doit être pensée comme une stratégie pour guider l'œil du spectateur à travers l'œuvre de manière fluide et intentionnelle.
• 😀 Ne vous précipitez pas pour finir votre peinture en une seule session. Prenez du temps pour évaluer et ajuster la direction du regard dans votre composition.
• 😀 En commençant par une seule couleur ou une palette restreinte, vous pouvez mieux comprendre comment la valeur et la saturation affectent la perception visuelle et l'attention.

Q & A

Pourquoi est-il important de comprendre les concepts de couleur de sujet et de magnets avant d'aborder les harmonies de couleurs?

Ces concepts sont essentiels car ils permettent de guider l'attention du spectateur dans une œuvre. Le sujet coloré attire l'œil, tandis que les magnets créent une tension visuelle, ce qui est la base pour comprendre comment organiser et contrôler les couleurs dans une composition.

Que représente la 'couleur du sujet' dans une peinture?

La couleur du sujet est l'élément principal de la peinture qui capte immédiatement l'attention du spectateur. C'est un élément qui se distingue des autres couleurs par sa saturation, sa valeur ou sa position dans la composition.

Comment la question 'Où voulez-vous guider l'œil de votre spectateur?' influence-t-elle le choix des couleurs dans une œuvre?

Cette question est cruciale car elle permet de définir l'emplacement et l'importance des couleurs dans l'œuvre. En choisissant où l'œil du spectateur doit aller, l'artiste peut orienter sa composition autour de cette focalisation, créant ainsi une narration visuelle cohérente.

Qu'est-ce que l'effet de tension dans une peinture, et pourquoi est-il important?

La tension se crée lorsqu'il y a un contraste fort entre les couleurs ou les valeurs, ce qui attire l'œil vers certaines zones de la peinture. Ce phénomène est essentiel pour guider le spectateur à travers l'œuvre et renforcer l'impact visuel.

En quoi les 'magnets' influencent-ils la manière dont l'œil se déplace dans une peinture?

Les magnets sont des éléments visuels qui exercent une attraction sur l'œil en raison de leur contraste, saturation ou taille. Ces éléments forcent l'œil à se déplacer entre différents points d'intérêt dans l'œuvre.

Pourquoi l'artiste ne devrait-il pas considérer son canevas comme un livre de coloriage?

Traiter un canevas comme un livre de coloriage, en remplissant chaque section avec des couleurs arbitraires, rend difficile la direction du regard du spectateur. Il est important de décider où l'œil doit se poser avant de remplir la toile de couleurs pour éviter la confusion.

Comment les couleurs désaturées ou plus ternes peuvent-elles aider dans la phase de 'blocage' d'une peinture?

Les couleurs désaturées sont utiles dans la phase de blocage, car elles permettent de structurer la peinture sans attirer immédiatement l'attention. Une fois le blocage effectué, l'artiste peut ajouter de la saturation et du contraste pour faire ressortir la couleur du sujet et les magnets.

Quelle est la principale erreur que les étudiants en art font lorsqu'ils commencent un tableau?

Les étudiants ont souvent tendance à remplir leur tableau de couleurs sans planifier la direction du regard du spectateur. Cela entraîne une perte de focalisation et une fatigue visuelle, car il n'est pas évident où l'œil doit se poser.

Pourquoi est-il conseillé d'expérimenter avec une seule couleur avant de travailler avec plusieurs couleurs?

Travailler avec une seule couleur permet de mieux comprendre comment la lumière, l'ombre, la saturation et la valeur influencent l'attention du spectateur. Cela simplifie le processus et aide à maîtriser les bases avant d'ajouter plus de complexité avec des harmonies de couleurs.

Qu'est-ce que l'artiste doit faire si une peinture ne se passe pas comme prévu?

Il est essentiel de ne pas paniquer. Une peinture n'est jamais définitive dès le début. L'artiste doit réfléchir à ce qu'il essaie de communiquer, à la manière dont la couleur du sujet et les magnets influencent l'œil, et ajuster en fonction de cela. Les solutions sont infinies et il est possible de corriger presque toutes les erreurs.