U III La Pintura en el Quattrocento 2
Summary
TLDREl guion explora la evolución de los retratos en el Renacimiento, desde los donantes en obras religiosas hasta su autonomía como género. Se discute la búsqueda de veracidad, la idealización de la belleza y el simbolismo en el poder. También se menciona la influencia de la mitología y la alegoría en la pintura, así como la relación entre arte y ciencia en la representación de la naturaleza y el cuerpo humano.
Takeaways
- 🖼️ El Renacimiento vio el surgimiento del retrato como una forma de preservar el prestigio y la memoria histórica de los individuos.
- 🤝 Los retratos inicialmente aparecían como donantes en obras religiosas, mostrando la conexión entre la figura y la espiritualidad.
- 👑 La evolución del retrato en el Renacimiento pasó de los donantes a la representación de figuras en espacios sagrados, como en las obras de Ghirlandaio.
- 🎨 La veracidad en el retrato se centra en la representación de la belleza ideal y la semejanza física, lo que dio lugar a un nuevo género de retratos autónomos.
- 🖌️ Los primeros retratos caracterizados eran de perfil, influenciados por la medallística romana y con un enfoque panegírico.
- 🔍 El retrato buscaba no solo la representación física, sino también psicológica y dimensional, haciendo presentes a los ausentes y a los muertos.
- 🏰 Los retratos también tenían connotaciones simbólicas, donde el uso de armas, vestimentas y joyas servía como un código de interpretación y representación de poder.
- 📚 Los retratos narrativos surgieron más tarde, contando historias y extendiéndose más allá de la aristocracia a través de la imitación social.
- 🎭 La aparición de alegorías profanas y mitos en la pintura renacentista refleja una interacción entre el mundo político y literario, como en la obra de Botticelli.
- 🌿 La decoración de residencias familiares en la Toscana permitió la exploración de temas mitológicos y alegorías, conectando el arte con el presente y la historia.
Q & A
¿Qué papel desempeñaba el retrato en la búsqueda de prestigio y perdurabilidad durante el Renacimiento?
-El retrato era una forma de estar presente y decir quién era la persona. Fue una herramienta para la representación de poder y la legitimación del personaje, especialmente en el contexto de la aristocracia y la alta burguesía.
¿Cómo se incorporaban los donantes en las obras religiosas durante el Renacimiento?
-Inicialmente, los donantes aparecían como figuras en las obras religiosas, como en la obra de Giotto, donde se representan arrodillados ante una sacra conversación. Más tarde, se independizaron y se convirtieron en retratos autónomos.
¿Qué relación existe entre la veracidad y la belleza en los retratos del Renacimiento?
-La veracidad se refiere a la condición de aparecido, es decir, la capacidad de hacer presentes a los ausentes. La belleza ideal se equilibra con la semejanza física, buscando representar no solo la apariencia sino también la psicología y la dimensión del personaje.
¿Cómo se caracterizaban los primeros retratos del Renacimiento?
-Los primeros retratos eran de perfil y estaban influenciados por la medallística romana, asociándolos al panegírico del retratado. Esto se refleja en obras como las de Ghiberti y Botticelli.
¿Qué simbolismo tenían los atributos iconográficos en los retratos?
-Los atributos iconográficos, como armas, vestidos y joyas, eran códigos de interpretación que reflejaban la posición social y la legitimidad del personaje retratado, como se ve en el retrato de Federico de Montefeltro y su hijo.
¿Qué relación había entre el retrato narrativo y la historia?
-El retrato narrativo contaba una historia, mostrando un relato literario o una acción desarrollada. Este tipo de retrato se extendió más allá del realismo, incorporando elementos de la sociedad y la imitación social.
¿Cómo se relaciona la alegoría y el mito en la pintura del Renacimiento?
-La alegoría y el mito invadieron la cultura figurativa, mostrando interrelaciones entre el mundo político y el literario. Ejemplos de esto se ven en las obras de Botticelli, donde se representan temas mitológicos con una lectura política subyacente.
¿Qué papel jugaban los mitos en la decoración de palacios durante el Renacimiento?
-Los mitos eran un tema común en la decoración palaciega, donde se utilizaban para exaltar las virtudes políticas y representar la figura de los gobernantes, como se ve en la obra de Botticelli con la representación de Lorenzo el Magnífico.
¿Cómo se representaba la historia en los retratos del Renacimiento?
-La historia se contaba a través de la narrativa de la escena, mostrando una acción desarrollada en lugar de una escena aislada. Esto se ve en la obra de Ghirlandaio, donde se narra la historia de Griselda en un cofre nupcial.
¿Cómo se relaciona la ciencia con la representación artística durante el Renacimiento?
-La ciencia y la cultura visual se relacionaron a través de la representación de la naturaleza y el cuerpo humano. Los artistas, influenciados por los inventos de Leonardo, representaban la naturaleza de una manera que permitía estudios científicos y la construcción de conocimientos.
Outlines
🖼️ El Renacimiento y el Retrato
El primer párrafo explora cómo el deseo de prestigio y la aspiración a la inmortalidad histórica impulsaron la creación de retratos durante el Renacimiento. Los retratos inicialmente aparecían como figuras de donantes en obras religiosas, donde los donantes se convertían en participantes activos en la escena sagrada. Con el tiempo, los retratos se independizaron y se volvieron autónomos, enfocándose en la veracidad y la representación del sujeto. Se destaca la importancia de la belleza y la semejanza, así como la influencia de la medallística romana en los primeros retratos de perfil. Los retratos también tenían connotaciones simbólicas, con elementos como armas, vestimentas y joyas que proporcionaban un código de interpretación. Se menciona la relación del retrato con la representación de poder y cómo los primeros retratos del Quattrocento buscaban la legitimación del personaje. Se ilustran con ejemplos de retratos de Federico de Montefeltro y su esposa Batista, destacando la evolución del retrato narrativo y su uso en la sociedad.
🎭 La Influencia de la Mitología y la Alegoría en el Arte
El segundo párrafo aborda la introducción de la mitología y la alegoría en el arte renacentista, inicialmente limitadas a una clase cortesana y patriciada. Se discute cómo estos temas se integraron en la obra de artistas como Botticelli, donde la mitología se utilizaba para reflejar conceptos humanistas y políticos. Se menciona la obra 'Marte y Venus' de Botticelli y cómo se interpreta como un discurso sobre el matrimonio y la victoria amorosa. También se explora cómo la mitología se convirtió en un tema de decoración palaciego, con ejemplos como 'Palas y el Centauro' de Botticelli, que se alude a Lorenzo el Magnífico y su diplomacia. Se destaca la evolución de la representación de la mitología y la alegoría desde ornamentos arquitectónicos a temas de decoración palaciego, y cómo estos temas se relacionaban con la historia y la política de la época.
🎨 La Evolución de la Representación en el Arte
El tercer párrafo analiza cómo la representación en el arte evolucionó desde la Edad Media hasta el Renacimiento, enfocándose en la innovación de los artistas en la elección de temas y la forma de representar escenas. Se menciona la tradición de copiar imágenes legibles y cómo en el Renacimiento, los artistas buscaron representar escenas de manera novedosa. Se discute la representación de la Adoración de los Magos, mostrando cómo las obras medievales y renacentistas abordaban la escena de manera diferente. Se destaca la evolución de la representación de la naturaleza, el espacio y la gestualidad en las obras de artistas como Giotto y Botticelli. También se menciona cómo los retratos se integraron en la decoración palaciera y cómo la representación de la mitología y la alegoría se relacionaba con la legitimación del poder de la familia, como en la obra de Botticelli encargada por Gaspar de la Lama.
🌿 La Imagen Científica y su Influencia en el Arte
El cuarto y último párrafo aborda la interacción entre la ciencia y el arte en la representación de la naturaleza y el cuerpo humano. Se destaca cómo la imagen científica ayudó a construir el poder político y cómo las imágenes permitieron estudios científicos. Se menciona la importancia de los inventos de Leonardo da Vinci y cómo estos influyeron en la representación de la naturaleza y el cuerpo humano en el arte barroco. Se enfatiza cómo las imágenes se convirtieron en documentos científicos y cómo la evolución de los sistemas de representación permitió la creación de obras que aún son admiradas hoy en día.
Mindmap
Keywords
💡Renacimiento
💡Donantes
💡Retratos autónomos
💡Veracidad
💡Ideal de belleza
💡Retratos de perfil
💡Retrato narrativo
💡Legitimación
💡Mitología
💡Alegoría
Highlights
La búsqueda de prestigio y la aspiración a la inmortalidad en la historia condujeron al hombre del Renacimiento a utilizar el retrato como una forma de presencia y expresión de identidad.
Los retratos se originaron como donantes en obras religiosas, evidenciando su participación en la escena sagrada.
La veracidad en el retrato era crucial, equilibrando ideales de belleza y semejanza.
El retrato se independizó y se convirtió en un género autónomo, influenciado por la medallística romana.
Los primeros retratos eran caracterizados por el perfil, buscando el parecido físico y psicológico.
El retrato tenía un componente simbólico, con la inclusión de armas, vestidos y joyas que codificaban un mensaje de interpretación.
El retrato estaba ligado a la representación de poder, ejercido a través de la memoria.
El retrato narrativo surgió, contando historias y extendiéndose más allá del realismo.
El retrato de Federico de Montefeltro y su esposa Batista, realizado por Piero della Francesca, se convirtió en emblemas de virtudes cardinales y teológicas.
El retrato de Federico de Montefeltro y su hijo, atribuido a Berruguete, buscaba legitimar la dinastía y mostrar el origen militar del poder.
La aparición de la alegoría profana y el mito en la cultura figurativa se ve influenciada por las fiestas y los triunfos corteses.
La temática antigua en la pintura renacentista está limitada a la clase cortesana, caballeresca y patriciada.
La obra 'Martín y Venus' de Botticelli se interpreta como un discurso al matrimonio, con Marte desarmado y vigilado por Venus.
El mito en la concepción humanista ofrece un espejo doctrinal, como en la 'Adoración de los Magos' de Botticelli, que oculta razones políticas.
La representación de desnudos en la pintura renacentista generó entusiasmo y permitió explorar escenas sensuales.
La construcción de residencias familiares señoriales en Toscana permitió la decoración figurativa con mitos y alegoría, conectando con el presente.
La narrativa en la pintura renacentista evolucionó, pasando de escenas aisladas a relatos literarios desarrollados.
La representación de la 'Epiphania' en la pintura renacentista muestra una evolución en la representación de la adoración, con la inclusión de donantes como personajes activos en la escena.
La relación entre ciencia moderna y cultura visual se evidencia en los inventos de Leonardo y su influencia en la representación de la naturaleza y el cuerpo humano.
La imagen científica ayudó al poder político en la construcción de conocimientos, sirviendo como documentos científicos.
Transcripts
la búsqueda de prestigio y de perdurar
en la historia hicieron que el hombre
del renacimiento encontrara en el
retrato su manera de estar presente y
decir quién era el retrato forja su
camino en el renacimiento primero se
hacen retratos como donantes en las
obras religiosas
pensemos en latín y además ocho después
los donantes se incorporan en el espacio
sacro como participantes el escena
acordémonos de las obras gotelli donde
los médicos son los mismísimos reyes
magos' más tarde el donante se
independiza y el retrato se vuelve
autónomo es indispensable para esta
representación la veracidad es decir la
condición de aparecido hay entonces una
atención entre ideal de belleza y
semejanza
es un género nuevos retratos que
comienzan despegándose del espacio
sagrado por un lado y por otro nace con
una gran influencia de la medallística
romana que lo asocia al panegírico del
retratado por eso los primeros retratos
caracterizados son de perfil
el retrato busca el parecido físico su
psicología y la dimensión del mismo al
verte en su tratado decía del retrato
hace presente los ausentes incluso
presenta como vivos a los que murieron
hace siglos el retrato también tiene
consideraciones simbólicas las humanas
armas vestidos y joyas su inclusión en
un lugar determinado resulta un código
de interpretación
el retrato estaba ligado a la
representación de poder que se ejercía a
través de la memoria y por eso las
cortes no se encargaban
los primeros retratos del quattrocento
buscaron la legitimación del personaje
después vino el retrato narrativo que
contaba una historia
en un principio era un asunto reservado
al realista sin embargo la imitación
social hizo que se extendiera su uso
para ver ejemplos de retratos elegí los
realizados al fondo quiero federico de
montefeltro duque de urbino y casado con
bat sus tres fuerzas en la casa de milán
el primero que vimos aparece él como
donante arrodillado ante una sacra
conversación en cambio el doble retrato
de federico y su esposa batista también
realizado por piero de la francesca y
estaba concebido como un par de imágenes
emblemáticas que a modo de medallas
representaba en el reverso los triunfos
con las virtudes cardinales y teologales
el triunfo en jericó en montefeltro hace
referencia al valor de la historia en la
exaltación del personaje basado en el
modelo ceremonial de los antiguos se
trata de una figuración escenográfica
orientada a señalar la virtud del prócer
representado como un cortejo triunfal
romano no podemos dejar de destacar que
también hace referencia al mundo romano
el hecho de ser retratados de perfil
como las medallas conmemorativas los
retratos se acompañan de atributos
iconográfico que completan el mensaje
el retrato federico de montefeltro y su
hijo unido valdo atribuido a berruguete
estaban pensados para dar el duque y su
descendencia la legitimidad necesaria y
el hecho de que éste con la armadura
intenta mostrar el origen militar de su
poder por otro lado se hace retratar en
su estudio uno de los más ricos de
italia y posiblemente con la mejor
biblioteca
como escenario está el estudio no y él
sostiene un libro muestra de esta manera
sus cualidades humanistas por último se
retrata junto a su único hijo varón
ricamente ataviados como signo de su
continuidad dinástica esto conforma un
mensaje donde las armas los libros y las
joyas señalan jerarquías
en el mundo humanista la aparición de la
alegoría profana y el mito invaden la
cultura figurativa pero antes aparecen
en las fiestas los triunfos cortejos y
tableau iban donde los mitos antes que
en la cultura y la pintura tejen
interrelaciones entre el mundo político
y el literario
como señala killer la temática antigua y
está limitado en la restringida clase
cortesana caballeresca y al patriciado
de las ciudades que en sus bibliotecas
guardaban manuscritos que unían los
ideales caballerescos a los cortesanos
por otro lado el mito en la concepción
humanista ofrece una suerte de espejo
doctrinal en la obra martín y venus de
botticelli pensada como un discurso algo
al matrimonio vemos a marte dios de la
guerra ya sin su armadura vigilado por
venus en una suerte de victoria amorosa
en torno a 1.460 la alegoría y el tema
mitológico dejan de ser un arte menor
aplicado a ornamentos arquitectónicos y
pasa a funciones de decoración palaciega
donde el tema mitológico aparece como
tema humanista pero su lectura se basa
en la comprensión de claves del presente
en la composición de palas y el centauro
de botticelli interpretado como una
alegoría política se hace referencia a
lorenzo el magnífico y su capacidad
diplomática de disuadir al rey de
nápoles de que entre en la liga creada
por sexto cuarto contra florencia es una
alegoría que exalta las virtudes
políticas de lorenzo así el mar
representa nápoles el centauro al papá y
pa
en los dioses paganos los gobernantes
encontraban los modelos del buen
comportamiento y también del malo porque
el olimpo muestra las pasiones humanas
que el alma puede albergar maría de
hungría hermana de carlos quinto encargo
a tiziano la furia para ejemplificar los
castigos a quienes desafiaban a los
dioses es decir el poder de los señores
por ejemplo desean un indicio se basó la
metamorfosis de ovidio y en la eneida de
virgilio para representar el buitre red
devorando el hígado de quicio como
castigo por haber violado a la zona y
esto eternamente ya cada noche se
sonaban para ser nuevamente atacado al
otro día
esta obra se pinta después del triunfo
del milberg por parte de las tropas del
sacro imperio romano germánico contra la
liga de small carla y la lectura
política resulta evidente
por otro lado los temas mitológicos
permitieron incursionar en el desnudo y
esto generó un rápido entusiasmo fueron
muchos los dioses que entraron en los
palacios renacentistas muchas veces en
escenas sensuales que estaban destinados
a los estudios de los prince
a partir de 1.460 el reciente fenómeno
de construcción de residencias
familiares de carácter señorial que se
da la toscana permite la decoración
figurativa para sus interiores estas
sistemas profanos optan por el mito y la
alegoría pero también aparecen las
series de hombres ilustres como el de
andré al castaño o las batallas de hielo
asumiendo así una estrecha relación con
el presente en la historia la batalla de
san romano y re intervención decisiva en
1432 de los florentinos contra los iones
es en realidad son tres tablas
realizadas por un cello aparentemente
para decorar un arco
esta pintura originalmente estuvo
pensada para un cofre nupcial cuenta la
historia de griselda narrada en el
decamerón de boccaccio y alude a las
virtudes que teóricamente deberían tener
las novias cualquier marqués de salustio
dedicado a todos los placeres sobre todo
el de la casa finalmente instancias de
ellos servidores toma por esposo una
pastora la mujer conquista el corazón de
sus súbditos pero no el de su esposo que
la hostiga con todo tipo de engaños y
humillaciones a las que ella responde
con sumisión y paciencia en este cofre
se narra el momento en que el marido
despoja de todos los bienes a griselda
incluso su camisa dejándola
vergonzosamente desnuda ante sus
sirvientes
en realidad lo que me interesa destacar
en esta obra en la narratividad de la
escena es decir la intención de contar
una historia o un relato literario ya no
es una escena aislada sino una acción
desarrollada no gombrich refiere que en
la edad media cuando una imagen estaba
bien hecha
se le copiaba se mantenían los atributos
que le hacían legibles
no había grandes cambios hoy decimos
cambios iconográficos y esta es la
manera en que se representa una imagen
la tradición de una imagen nos vamos a
detener en la epifanía y los cambios que
se dieron en el renacimiento los
artistas de la edad moderna ahora buscan
representar las mismas escenas pero de
una manera novedosa
la elección de los temas de las obras
tiene un motivo en una sociedad de
banqueros la adoración de los magos
alude al homenaje de los poderosos al
dios nacido en un pesebre en florencia
era un tema recurrente en la pintura y
también era importante la fiesta de la
cabalgata donde participaba tanto la
aristocracia como el pueblo y está
organizada por la cofradía la primera
imagen que vemos muestra una adoración
de un códice esta obra medieval muestra
a los reyes
caracterizados por las tres edades del
hombre una joven una edad mediana y un
rey mayor maría hace de trono al niño y
por medio de una arquitectura o un palio
se señala el pesebre no hay naturaleza
ni espacio la imagen alude a un relato y
las imágenes están representadas
frontalmente en una línea horizontal
la segunda imagen que vemos en la obra
del giotto el humilde pesebre está
enmarcado por un fondo azul los
personajes están insertos en el espacio
y sus figuras tienen peso se reconocen
gestualidad e incluso de mirada todos
están en actitud de adorar al niño dios
ahora vamos a ver ahora demás acho
quiero que estar abajo a la izquierda el
cobertizo donde está la vaca y el burro
admirablemente bien hecho se mantiene en
la penumbra el resto de la obra tiene
una luz pareja
las vestimentas están escasamente
ornamentadas sobria la única concesión a
la nobleza en la silla curul donde está
amarilla los personajes tienen volumen y
están en un espacio real hay dos con
ropas modernas que se diferencian del
resto sobre todo por los sombreros éstos
son los donantes con las vestimentas
típicas de la alta burguesía la obra
muestra el momento en que los magos
llegan al pesebre la otra obra que vamos
a ver es la de botticelli fue encargada
por gaspar de lama un banquero que
trabajaba para los medici la temática en
principio religiosa esconde razones
políticas las ruinas del pesebre hacen
referencia a la caída del paganismo
los mangos son los mismos me dices con
cosme el viejo es gaspar y los otros dos
giovanni pietro me dice el mismo
botticelli está a la derecha mirando al
espectador junto con otros personajes de
la corte
hasta ahora la epifanía al rescatar el
sentido profesional de la adoración por
eso todos estaban en la misma línea
botticelli propone una composición
piramidal central en ese triángulo está
maria el niño y los medici y en forma de
paréntesis la corte rodea y adora esta
escena los donantes ya no contemplan la
escena como vimos en la obra de masaje
sino que ellos forman parte del momento
saco es una manera de legitimar el poder
de la familia
hasta ahora vimos como los artistas
buscan nuevas maneras de representar un
mismo tema y además es la relación entre
ciencia moderna y cultura visual ha sido
estudiada últimamente pensemos en los
inventos de leonardo por los pintores
barrocos representando prodigio a la
naturaleza así se rompen los límites
tradicionales de la historia del arte y
reparamos en los estudios visuales que
nos permiten estudiar las imágenes de la
naturaleza del cuerpo humano y los mapas
así la imagen se puso al servicio de la
ciencia en la edad moderna
en tanto las imágenes permitieran los
estudios científicos y sin ellas no se
entenderían los tratados es decir crean
conocimientos como documentos
científicos
la evolución de los sistemas de
representación permitieron la creación
de algunas obras que aún hoy nos admiran
y de un sistema de representación
pensemos en el cuerpo humano o las
plantas y aún es válido además la imagen
científica ayudó al poder político en la
construcción
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