06 – Fotografía de danza con hombres Teoría

Summary

Este video sigue el proceso artístico y técnico detrás de una sesión fotográfica con un bailarín masculino. A través de un enfoque meticuloso en la iluminación, la postura y la expresión, el fotógrafo busca capturar la energía y la suavidad del bailarín, resaltando tanto la fuerza de sus piernas como la delicadeza de sus brazos. Se hace hincapié en la simetría, la teatralidad y la estética pictórica, creando imágenes que evocan la elegancia clásica. El resultado final busca ser una obra de arte, digna de ser exhibida en una galería, como una pintura clásica que trasciende lo técnico para capturar el alma del bailarín.

Takeaways

• 😀 La iluminación juega un papel crucial en la creación de una atmósfera artística, utilizando un solo punto de luz con un grid para crear un efecto envolvente y suave.
• 😀 La postura y la simetría del bailarín son esenciales para transmitir la energía correcta y lograr la estética deseada en la imagen.
• 😀 El trabajo con los músculos del bailarín es fundamental: se busca fuerza y control en las piernas, pero suavidad en los brazos y torso.
• 😀 La interacción psicológica con el bailarín es clave; se debe hablar de manera diferente para activar distintas áreas del cuerpo según sea necesario, con un enfoque más fuerte para las piernas y más suave para el torso.
• 😀 El fondo de la foto, en este caso, un lienzo pintado a mano, debe mantenerse intacto para no perder su textura y riqueza, ya que contribuye al estilo artístico de la imagen.
• 😀 Se busca una sensación etérea y teatral en las fotos, comparando la imagen con pinturas clásicas para dar un aire más artístico.
• 😀 La energía del bailarín debe estar bien distribuida entre el torso y las piernas para lograr un equilibrio visual que resalte la fuerza de su movimiento.
• 😀 El uso de la respiración y la visualización es fundamental para ayudar al bailarín a transmitir la suavidad y el control adecuados en sus movimientos.
• 😀 Es importante que los brazos del bailarín sean tensos desde el torso, pero que las manos mantengan una suavidad, lo cual proporciona un contraste entre fuerza y delicadeza.
• 😀 El fotógrafo busca capturar no solo la técnica del bailarín, sino también su alma, su energía interna, que transforma la imagen en algo artístico y digno de una galería.

Q & A

¿Cuál es el enfoque principal de la iluminación utilizada en la fotografía del bailarín?

El enfoque principal es usar una única fuente de luz con un modificador tipo octa 5 de 150 con un grid, lo que permite envolver al bailarín en una luz suave y envolvente, mientras se mantiene el fondo sin demasiada iluminación para preservar su textura artística.

¿Por qué el fotógrafo evita iluminar demasiado el fondo?

El fondo es una pintura a mano con textura, y el fotógrafo no quiere perder ni dañar esa textura al agregarle más luz. El fondo debe mantenerse fiel a su apariencia original para apoyar la atmósfera artística de la imagen.

¿Cómo se describe la postura ideal para el bailarín en la fotografía?

La postura ideal combina fuerza y suavidad. Se busca simetría, con los brazos en una forma circular y los músculos tensos, especialmente en el torso y las piernas, pero con las manos relajadas para dar una sensación etérea.

¿Qué diferencia de enfoque tiene el fotógrafo al trabajar con bailarines masculinos en comparación con las bailarinas?

Con los bailarines masculinos, el fotógrafo utiliza un tono más firme y directo cuando se refiere a la fuerza de sus piernas, mientras que para el torso se emplea un tono más neutro, buscando diferenciar entre fuerza y suavidad según la parte del cuerpo.

¿Cuál es el objetivo al pedirle al bailarín que imagine que está en una galería, como en el Prado?

El objetivo es evocar una sensación de intemporalidad y suavidad en la postura y energía del bailarín, ayudando a crear una imagen que se sienta como una obra de arte clásica y pictórica, adecuada para una galería de arte.

¿Cómo se busca transmitir la suavidad en la imagen final?

La suavidad se logra equilibrando la fuerza en el cuerpo del bailarín con la delicadeza en los detalles, como las manos, manteniendo los músculos tensos pero con un toque suave en las extremidades para crear una imagen elegante y etérea.

¿Qué papel juega la respiración del bailarín en la imagen final?

La respiración es fundamental para dar naturalidad y fluidez a la postura del bailarín. Se busca que la energía del cuerpo se traduzca en una imagen viva y respirante, en lugar de algo rígido o forzado.

¿Por qué el fotógrafo hace múltiples pruebas antes de obtener la imagen final?

Las pruebas permiten ajustar detalles como la simetría, la energía y la suavidad en la postura del bailarín. Cada intento ayuda a refinar la composición y a asegurar que la imagen final tenga el equilibrio adecuado entre fuerza, elegancia y teatralidad.

¿Qué tipo de energía se busca en la postura del bailarín?

Se busca una energía que combine fuerza y suavidad. El bailarín debe expresar la sensación de estar en movimiento hacia un plano más elevado, pero al mismo tiempo debe transmitir una energía contenida, como si estuviera en un estado de resistencia y transición.

¿Cuál es la diferencia entre las imágenes obtenidas en las pruebas y la imagen final seleccionada?

Las imágenes de las pruebas a veces carecían de la simetría o la suavidad necesaria, o bien mostraban demasiada energía en las piernas sin el equilibrio en los brazos. La imagen final tiene la simetría deseada, con una energía equilibrada y una suavidad en el torso, lo que la hace más adecuada para la visión artística del fotógrafo.